沧海一声笑尤克里里琴谱继五条人现场临时改歌之后，本期乐夏又上演了野孩子改编赛不改歌，演自己的歌退赛，撑起这届乐夏的仿佛都是“意外”，而不是乐队。 　　我自己很喜欢野孩子乐队，但野孩子vs超级斩这场比赛剧情却让我觉得非常狗血，不仅一点都不感动，甚至有些生气。 　　野孩子理解的国风到底是什么？ 　　野孩子vs超级斩这组的改编主题是“国风”，张佺拒绝改编这组歌曲的理由是觉得这些歌都不是他自己理解的国风，但是节目剪辑很迷惑的，一直都没有让野孩子解释出来自己理解的国风到底是什么。 　　从选歌环节，观众看到的就是张佺一直沉默地坐在选歌室里，这首也不满意，那首也不情愿，他始终在重复，这不是他理解的国风，但到底他理解的国风是什么？除了他们留在舞台上的这首《竹枝词》，节目组最后也没有让他们做出解释。 　　张佺最后一次在舞台上提出这个问题，他说的话也被奇怪的剪辑剪掉了。从始至终，我们只是看到张佺任性地站在台上说，不喜欢，真的不喜欢。并没有没有触及野孩子艺术观念的核心。那么在长达半个多小时的剪辑里，我们看的是什么呢？ 　　剪辑老师看似大篇幅地渲染了野孩子的艺术精神，剪辑了一堆哭泣的煽情镜头，把野孩子推到了一个封神高度的同时，还顺便把野孩子劝说超级斩留下来这一幕阐释为了新老乐队薪火相传的接力棒。 　　众所周知，本季乐夏的后期剪辑换成了《向往的生活》的剪辑团队，本着《向往的生活》一起做个饭、喂个狗、荡个秋千都要扯上兄弟姐妹情谊的这种剪辑逻辑，剪辑老师给这段改歌弃赛的情节赋予了一段我等常人难以理解的思想高度，却只字没有表现他宣扬尊重的艺术家的艺术理念到底是什么。 　　改编赛考的到底是什么？ 　　野孩子是三十三支乐队中唯一一支选择一首纯人声无器乐的歌曲亮相的，而且就是这么一首简单的歌，还唱哭了周迅，唱到了人心中，这背后是有很深的功力的。 　　但乐夏归根结底是一场比赛，而不是一个纯展示类的节目。改编赛在我看来更像是一场命题作文的考试。 　　从技术上讲考察的是一个乐队是否形成了比较成熟的风格特色，短时间内的编曲、创作能力，还有乐队成员之间磨合的那种默契程度。 　　从理解能力上来讲考察的是一个乐队对自己改编这首歌曲的理解和交流能力，这里面特别好的一个例子就是上一期的大波浪乐队，在节目的花絮采访环节里，大张伟有一段评价大波浪改编《爱情买卖》的话说得很到位。 　　正是因为不拒绝自己改编的歌曲，不站在一个小众的立场上先觉得自己改的这首歌太low，他们才找到了打开这首歌的钥匙。也只有这样这首歌才会敞开胸怀接纳你的改编，与之融为一体。 　　反之出来的改变版本就会很容易呈现出一种截肢之后嫁接的味道，怎么听都奇奇怪怪，两种不同的力量在一首歌里一直纠缠。这是很多改编不成功的例子呈现出来的尴尬。 　　野孩子在选歌的时候就感受到了这种拧巴，所以与其去改一首自己接受不了的音乐，他们选择直接演一首自己的歌，然后退赛。然而这个看起来很摇滚的做法，又和五条人在第一赛段临时换歌给自己淘汰不太一样。 　　上一赛段是纯粹的亮相选拔比赛，五条人换歌不会对其他乐队的成绩造成影响，而野孩子这波操作却让和他们打比赛的打比赛的超级斩陷入了一个胜之不武的尴尬处境。 　　有人既然出现了这种情况，那么节目组就不应该在公布成绩了，以免大家都尴尬，但公布成绩本来也是比赛规则的一部分。 　　既然野孩子来参加比赛前如果就想好了自己可能会玩不了这个游戏而退赛，那其实可以根本不签合同，不来参加这个比赛。 　　因为这就像是你去考试前，先想着老师出的这个题目如果跟我自己的理解不太一样，那我就自己给自己出题，这样的考试有什么意义呢。 　　对于野孩子来讲，是不是来参加乐夏，他们无疑都很优秀。而乐夏，归根结底是一场游戏和比赛。选择了参加乐夏其实就是要放下自己的身段，来这里和其他的乐队碰一碰，玩一玩。 　　如果说第一轮比赛展示的是一个乐队的水平和底色，那么很明显第二轮改编赛是乐队现在的综合能力比拼，它需要的是让新老乐队都褪去光环，放下身份，平等的站在一起，用音乐去对话。 　　然而很遗憾，野孩子的心理仿佛无法进入这个褪去光环的改编赛流程，还停留在自我展示的第一个赛段。 　　到底什么才是国风？ 　　最后回到问题起点，到底什么才是国风。 　　“国风”展开讲就是“中国风”，也就是具有中国文化特色的歌曲，中国的古典音乐、古诗词、优秀的传统文化习俗等等都可以归结到这个范畴里。 　　从这个意义上讲我觉得乐夏节目组选择的这组歌单在主题的选择上并没有什么问题，当然野孩子自己唱的那首歌也没有问题，这两者其实根本就不是一个非此即彼的东西。 　　解释完“国风”的主题，我们不妨再随便看看这组歌包是不是都是让人难以接受的歌曲，体会一下野孩子这组歌单的水平。以郭龙刚开始选定的三首他觉得还不错的歌为例。 　　第一首《沧海一声笑》是黄霑在1992年为徐克的电影《笑傲江湖之东方不败》创作的主题曲之一。 　　（对，就是这张经典剧照） 　　这首歌不仅使用了很多中国风味的民乐编配，歌词也写得古风味十足，和明代诗人杨慎《浪淘沙》中那句：“古今多少事，都付笑谈中”的胸襟意境非常相似，是一首非常经典的作品。 　　第二首《倩女幽魂》是张国荣演唱的经典版本，也是电影《倩女幽魂》的主题曲。 　　（电影《倩女幽魂》剧照） 　　这首歌还是黄霑作词作曲的。这里顺便说一下黄霑是谁。 　　（黄霑） 　　黄霑毕业于香港大学中文系，是词曲家、也是作家、主持人、演员。他是流行音乐界的代表人物，被誉为“香港四大才子”之一。其创作的《沧海一声笑》《黎明不要来》《倚天屠龙记》等影视歌曲曾获得金马奖最佳电影配乐、金像奖最佳电影歌曲等荣誉。 　　不管是中文系的专业背景还是作家的身份，甚至你就通过这两首歌的歌词都能看出来，黄霑对中国文化是有自己比较深刻的理解的，他的语言驾驭和表达的能力也是很好的。 　　《倩女幽魂》这种歌曲即便是抛开影视的情境，它所表达的那种人生如梦似幻虚浮的情感也是深刻可听的，虽然是一首流行歌曲，但流行而不流俗。但张佺先是和队友说粤语改国语唱不出韵味，后面听说有国语版本又陷入了沉默。 　　最后一首郭龙特别喜欢的《笑红尘》是由李宗盛作曲，厉曼婷作词，陈淑桦演唱的歌曲，该曲是1993年++++《东方不败风云再起》的国语版主题曲。 　　（《东方不败风云再起》剧照） 　　也是一首武侠主题的歌曲。这首歌的编曲作词相比较前两首没有那么古典味道，但是它有一个中国游侠精神的内核在。 　　这三首歌都是曾经红极一时的港台流行歌曲，但并没有随着时代被淹没，是直到今天还在被传唱的经典。再说一首他们没提到的歌。 　　这首《琵琶行》虽然旋律做的比较流行，但歌词完全就是用了诗人白居易的原句，中间还用到了中国戏曲的唱腔。 　　如果说野孩子理解的国风就是像他们的《竹枝词》一样唱原本的古诗词，那这首《琵琶行》又错在了哪里？ 　　毕竟你觉得它编的不好可以做各种改编呀，改编赛的意义不就在这里吗？ 　　看完了歌单再来看看野孩子自己选的这首《竹枝词》，除了所谓的好听和逼格高，这首歌有很多东西可以聊。 　　先来说说什么是竹枝词，竹枝词最早是巴蜀地区的一种民歌，后来经文人雅化，最终演化成一种文人诗体。 　　由民歌小调到文人作品，这也是中国古代文学一条非常重要的创作路径，在这个创作过程中，也是一个歌变文，曲谱旋律逐渐丢失，创作越来越倾向于文人写作而不是可歌可唱的过程。 　　深究这个原因和中国古代没有西方的音乐记谱方式也有关系，因为直到今天我们实际上都无法百分百还原中国古代的记谱方式。 　　《竹枝词》这个这个诗体正是经刘禹锡之手而开始文人化的，刘禹锡在任夔州刺史时，依照这种歌谣的曲调写了十来首歌词，以野孩子在节目中演唱的这首最为著名。 　　解释了前面这些，我们就可以理解，竹枝词在中国文学史上最大意义不在这首词本身多么深刻，而在于它是民歌向文人诗雅化的一个过渡作品。 　　从中国古代《诗经》的“风”开始，歌颂男女情爱就是民歌一个非常重要的主题，刘禹锡这首《竹枝词》也不例外，这是非常少女的一首歌。 　　你可以想想这样一个画面： 　　江南水乡，两岸杨柳青青，碧水清澈无波，江划船上的少女听到心上人在岸上的歌声，开始春心萌动，心想着他到底喜不喜欢我呀。 　　最后一句“道是无晴却有晴”表面写天气，实际巧妙运用了一个谐音，写少女特有的那种特有的羞涩的猜疑。 　　这个场景甚至可以追溯到《楚辞》里划船的女孩唱出的那句：“山有木兮木有枝，心悦君兮君不知。” 　　表达的都是闺中少女那种娇俏、羞涩又带有试探性的爱情。我们甚至把这些歌表达的心境类比今天的各种少女心事小甜歌。 　　从这个角度讲，要说这首歌本身的主题有多适合野孩子，我真的不觉得。但是野孩子给这首歌的旋律做的整体都比较轻盈，所以和这种水乡的味道并不违和，但说老实话野孩子本身这种风格，加上全男声演唱，是怎么都很难表现出那种少女心境的。 　　综上所述，我不觉得野孩子资历深作品好就应该把他们推到一个无可置疑的地位，从我的角度看，就事论事，国风歌包没有那么差，野孩子改的这首深究主题也不见得那么适合他们。 　　讨论尊重对方艺术里面的前提就是了解对方的艺术到底是什么，不讨论内容一味吹捧野孩子的艺术追求是多么高尚多么厉害，还非要整一出新老乐队薪火相传的情感大戏，是非常无聊的。 　　【The end】 　　研究员：苏试试 　　脾气暴躁，神经脆弱。谨慎关注，理性留言。 　　我们不能停止浪漫 　　尤克里里沧海一声笑曲谱